Laura Cogo

REvisitando

2009-03-03T10:33:00.007-02:00

Após cinco anos, estas imagens são publicadas pela primeira vez. São registros das intervenções realizadas nos Campus Central e da Agronomia da UFRGS (Porto Alegre) durante os meses de junho a setembro de 2003.

Os registros fotográficos destas intervenções sempre deixaram dúvidas com relação à materialidade dos espectros. Muitos pensavam que eram hologramas ou pinturas digitais. E por muito tempo eu adotei essas incertezas como uma forma de potencializar a estranheza e o mistério das intervenções.

Agora é possível perceber e sentir o tule. Esvoaçante, leve e presente.

El Columpio

2009-01-12T17:36:00.006-02:00

Era uma vez em Rosario

2008-10-12T19:09:00.003-03:00

E mais uma vez estarei lá com minha obra, participando da mostra “Joven y Efímero” produzida pelo Centro Cultural Parque España. A exposição inaugura dia 18 de outubro.

“El Columpio” por Laura Cogo

A obra pictórica que tomo como referência pertence ao Rococó francês (séc. XVIII). Se trata do “Balanço” de Jean Honoré Fragonard. O título original é “Les hereux hasards de l´escarpolette”. Hoje ressurge todo em tule, como uma lembrança. A transparência ressalta sua presença/ausência. O tempo presente corre velozmente sem nos permitir retê-lo. Nossas memórias compartem essa fugacidade.

Outra San Fernando

2008-10-12T19:02:00.004-03:00

A artista argentina Lucrecia Urbano lançou um novo projeto: artistas convidados deverão intervir em uma casa na localidade de San Fernando (Gran Buenos Aires) conservando o conceito de casa/lar. Todas as obras ali expostas construirão uma nova percepção desta casa. O ousado deste projeto é a intenção de aproximar povos que vivem diferentes “mundos”. A casa está localizada na fronteira da classe alta e da baixa de San Fernando. É só atravessar a rua para perceber a diferença. A movimentação na casa já começou com a intervenção da artista argentina Agustina Nuñez no muro externo. Crianças da redondeza ficaram curiosas e acompanharam a artista no preparo do mural.

Fui convidada pra participar deste projeto. E vou apresentar uma sala de espera em um dos quartos da casa. A casa será aberta ao público a partir do dia 18 de outubro.

El Juego de la Vida

2008-10-12T18:42:00.001-03:00

A la deriva o a la rutina – El Juego de la Vida é a produção de intervenções artísticas independentes no espaço público urbano, que intencionam a criação de recorridos físicos em diversos pontos da cidade de Buenos Aires propondo ao espectador transeunte a possibilidade de escolher seu caminho: o da rotina ou o da deriva. Referencial teórico: A Teoria dos Momentos (1959), de Henri Lefebvre, e o Manifesto Situacionista (1960), encabeçado por Guy Debord.

Registro em vídeo do primeiro caminho criado:

No muro

2008-10-12T18:05:00.003-03:00

Passeando distraidamente pelas ruas do Bairro Chino em Buenos Aires, percebi entre as trepadeiras de um muro uma mini tela de TV. Me aproximei, e lá fiquei um bom tempo assistindo imagens de um mar em movimento. Ao lado da tela alguém escreveu “Gracias por el mar”. Não sei do que se trata, o que há atrás do muro e de quem é o vídeo. Lindo!

Não vou escrever aqui as coordenadas exatas pra chegar ao muro. Mas já se sabe, fica no Bairro Chino, que é bem pequeno, com poucas ruas. Vale a pena encontrar de surpresa!

El Baile de las Sillas - En BsAs

2008-08-25T10:39:00.009-03:00

invita
jueves 28 de agosto a las 19 hs

"El Baile de las Sillas"
instalación de Laura Cogo

"X personas.
X - 1 sillas.

La música suena.
Todos giran alrededor las sillas.
Algunos rodean, otros saltan.
Hay los que bailan, hay los que caminan rápido y nerviosos.
Las personas se miran, miran las sillas.
Rodean. Bailan. Caminan. Corren.
Rodean. Bailan. Caminan. Corren.
Rodean. Bailan. Caminan...
La música se corta.
Y ahora?

No todas las sillas son seguras.
Ni todos los puestos se encuentran disponibles.
Quien se arriesga?"

Laura Cogo

Por primera vez expuesta en Buenos Aires, la instalación "El baile de las sillas" fue presentada en el MACRo (Museo de Arte Contemporáneo de Rosario) en el marco de su tercer cumpleaños, en noviembre de 2007.

La muestra podrá visitarse de martes a domingos de 12 a 19 hs, hasta el 19 de septiembre.

Auspicia:

Estados Unidos 726 San Telmo- Ciudad de Buenos Aires- (5411) 4361 4034
http://www.isidromiranda.com.ar/

VII SALON DIARIO LA CAPITAL

2008-07-06T13:55:00.013-03:00

Minhas luminárias foram selecionadas para participar do VII Salon Diario La Capital de design contemporâneo no Museo Castagnino, em Rosario, Argentina. E junto com elas, foi exposto pela primeira vez o vídeo criado pelo Fabiano.

A inauguração foi nesta última sexta-feira (4 de julho). O evento foi aberto com um espetáculo de dança contemporânea e convocou toda a cidade de Rosario para visitar.

Entrei no meio de uma multidão, coisa que nunca tinha visto antes nas inaugurações em museus de arte. O design tá em alta, nossas criações fazem parte deste momento, e nós (Fabiano e eu) estamos muito orgulhosos!

Mais imagens do salão aqui.

O que é arte?

2008-06-13T21:36:00.000-03:00

As melhores definições você vai encontrar aqui:

arteBA08

2008-05-25T11:44:00.004-03:00

Este ano será diferente, estarei no arteBA representando a Galería de Arte Isidro Miranda, local onde trabalho atualmente. As obras que serão expostas são das artistas argentinas Nora Aslan, Raquel Podestá, Karina El Azem e Laura Ortego; obras que também fazem parte da mostra atual da galeria: Hiperestesia.

HIPERESTESIA – Percepciones desde el presente

Esta exposición reúne propuestas de Nora Aslan, Karina El Azem, Laura Ortego y Raquel Podestá, cuatro artistas contemporáneas de distintas generaciones cuyas orientaciones artísticas se relacionan entre sí pero con resultados heterogéneos. Sin embargo, los conjuntos de obras aquí reunidos parecerían haber sido pensados de antemano para una misma y expresa escena.

Nora Aslan ha trabajado a partir de 1997 con un acopio de imágenes fotográficas como fuente. A través de su poética metaboliza la mirada de los otros y construye tramas visuales cuyo sentido crítico convierte a cada obra en dispositivo simbólico de la densidad ontológica del mundo actual.

Karina El Azem trabaja sus objetos de acrílico en los que une la influencia de cierta ornamentación de tipo kitsch con temas en donde la violencia se presenta como arquetipo nacional. Una de las claves de la obra son los juegos de percepción: las cápsulas de fusil van del inocente decorado al terror potencial.

Las escenas en los bosques de Laura Ortego son la recreación a través de la imaginación infantil del propio entorno, el patagónico, y de las sensaciones provocadas. La infinitud ha perturbado su mirada y el ambiente surge en una gama de percepciones que va de lo sagrado a lo devorador.

Las obras textiles de Raquel Podestá están realizadas con una suntuosidad propia de otra época, provienen de una tradición femenina que además de ostentar ciertas vanidades acarreó sus propios tabúes. La mayoría de las obras son verticales, poseen un peso, y en esa carga la artista mientras ha trabajado laboriosamente cada pieza ha exorcizado aquellos avatares.

Conjunción de climas, sensación de exceso, de exuberancia, de inestabilidad, como si hechos perturbadores estuviesen a punto de detonar. Luces y sombras contrastan en un ámbito vuelto barroco, aunque no sólo desde el punto de vista formal, sino también, conceptual.

La mayoría de estas obras proclaman que uno de los centros críticos de nuestra época es la multiplicidad de opciones de la mirada: de lejos, de cerca; lo que se ve y lo que no se quiere ver; lo que permanece oculto para no ser visto; aquello que se vuelve excesivo por no haber sido advertido en el momento preciso.

Estarei no Stand D32 no pavilhão de eventos La Rural (Av. Santa Fé e Av. Sarmiento), de 28 de maio a 2 de junho, das 13h às 22h. Espero vocês lá!

My Kid Could Paint That

2008-04-22T16:07:00.006-03:00

Uma menina de 4 anos vê o pai pintando uma tela e pede para pintar também. Ele dá todos os materiais pra menina, prepara tudo, e ela começa a brincar. Espreme as bisnagas de tinta em cima da lona, pega os pincéis maiores, esfrega, mete as mãos e os dedos e dali sai uma pintura abstrata bem colorida e bem viva. Assim começou a precoce carreira artística de Marla Olmstead (nascida em 2000, em Binghamton, NY). Tudo foi documentado pelo diretor Amir Bar-Lev em My Kid Could Paint That, desde sua primeira exposição individual até seu declínio profissional por conta de uma matéria apresentada no telejornal norte-americano 60 minutes. No telejornal, questionaram a veracidade da história. Especialistas analisaram suas pinturas e perceberam que algumas estavam muito “pensadas” e “organizadas” em comparação àquelas em que filmaram a menina pintando, as únicas que se tem a prova de que foi realmente ela quem pintou. E das que ela pintou, umas saíram interessantes (talvez por acaso), outras eram apenas brincadeira de criança.

Assisti ao documentário esses tempos e foi aí, então, que conheci toda a história dessa pequena artista. Há tempos que minhas opiniões com relação à arte não oscilavam tanto. Passei por momentos de indignação, de compreensão, de tristeza, de dúvida.

Claro que o fator de maior importância nessa história toda é a idade da menina, e não a qualidade da sua pintura, ou sua consciência como artista. E essa última, acredito ser a maior questão de todas: É artista aquele que não se considera um artista? É arte aquilo que é realizado sem compromisso com a arte?

Podemos considerar arte tudo aquilo que nos parece ser arte. Todos podemos definir para nós mesmos o que é arte e contrariar os demais. Mas estaremos respeitando aquele que produziu suposta “obra”? Nem todos querem ser artistas, nem tudo que é produto de uma criação é arte. Devemos rever nossos conceitos, não os que aparecem nos livros, mas aqueles que nós entendemos e acreditamos serem verdadeiros, os mais genuínos.

Todas as áreas devem ser respeitadas, assim como todos seus profissionais e especialistas. Por que na arte pode tudo? Por que não considerar os limites e critérios empregados? Por que esse carnaval, esse oba-oba? Essa falta de seriedade?

Arte é trabalho, é meu trabalho. Arte é fundamental para a vida do ser humano, para sua alma, para seu pensamento, para sua satisfação intelectual. E por isso deve ser tão respeitada quanto as demais áreas do conhecimento.

Não sei até onde acredito na ingenuidade dos pais de Marla Olmstead. Sua vontade de ganhar fama e alguns milhares de dólares, com certeza, falou mais alto do que preservar a liberdade dessa criança que passou a ser constantemente estimulada a pintar. Já não era mais brincadeira e a demanda era grande.

Suas pinturas seguem à venda pela Internet.

As melhores

2008-04-08T15:12:00.002-03:00

Postei hoje no meu outro blog, Café con Medialunas, uma lista das melhores galerias de arte contemporânea para se visitar em Buenos Aires. Logo, as melhores para um artista ser representado. Por enquanto, ainda não encontrei a minha, nem me encontraram. Mas acredito estar muito perto de uma eleição. A notícia será divulgada assim que se tornar verídica. Me dejem sorte!

El Diente de Oro - Inauguración

2008-04-03T16:00:00.008-03:00

Mañana se inaugura en Palermo el local El Diente de Oro, un nuevo espacio de arte y diseño creado por la venezuelana Andreina Restrepo y por la argentina Constanza Cibils donde se puede encontrar una variedad de objetos de jóvenes artistas y diseñadores latinoamericanos. Además de la parte comercial, el espacio también presentará muestras de arte, cada mes un artista y una propuesta diferente. En el local están en venta bolsos, lámparas y objetos de mi producción más reciente. Están todos invitados a conocer! La apertura se dará el 4 de abril a partir de las 20hs en Malabia 1311 (esq. Niceto Vega).

Amanhã inaugura em Palermo a loja El Diente de Oro, um novo espaço de arte e design criado pela venezuelana Andreina Restrepo e pela argentina Constanza Cibils onde se pode encontrar uma variedade de objetos de artistas e designers latino-americanos. Além da parte comercial, o espaço apresentará exposições de arte, cada mês um artista e uma proposta diferente. Na loja estão à venda bolsas, luminárias e objetos da minha produção mais recente. Estão todos convidados a conhecer! A inauguração será dia 4 de abril às 20hs, na Malabia 1311 (esq. Niceto vega).

El Baile de las Sillas

2008-03-25T00:01:00.002-03:00

X pessoas.

X - 1 cadeiras.

A música toca. Todos rodeiam ao redor das cadeiras. Alguns rodeiam, outros pulam. Há os que dançam, há os que caminham rápido e nervosos. As pessoas se olham, olham as cadeiras. Rodeiam. Dançam. Caminham. Correm. Rodeiam. Dançam. Caminham. Correm. Rodeiam. Dançam. Caminham. A música pára. E agora?

Nem todas as cadeiras são seguras. Nem todos os lugares estão disponíveis. Quem se arrisca?

X personas.

X - 1 sillas.

La música suena. Todos rodean alrededor las sillas. Algunos rodean, otros saltan. Hay los que bailan, hay los que caminan rápido y nerviosos. Las personas se miran, miran las sillas. Rodean. Bailan. Caminan. Corren. Rodean. Bailan. Caminan. Corren. Rodean. Bailan. Caminan. La música se corta. Y ahora?

No todas las sillas son seguras. Ni todos los puestos se encuentran disponibles. Quien se arriesga?

A instalação El Baile de las Sillas foi realizada por ocasião do terceiro aniversário do macro, inaugurada no dia 16 de novembro de 2007.

Quem abrirá o show

2008-03-12T09:16:00.008-02:00

Hoje se inauguram duas exposições em Buenos Aires. Após meses de pouca movimentação na cidade (janeiro/fevereiro), estes são os primeiros convites de vernissages que recebo em 2008, portanto, considero os estreantes do ano.

Daniel García (Rosario, 1958) pinta imagens fortes, nada explícitas, que freqüentemente nos levam a pensar na tortura. Símbolos nos comunicam que ali há além do visual, além das figuras e formas, das cores e traços. Hoje será possível aproximar-se de sua pintura e envolver-se com suas imagens.
Remordimientos y Silencios 12 de março às 19h no Espacio de Arte AMIA (Pasteur 633).

Arte y Nuevas Tecnologías Mostra coletiva dos artistas premiados e demais selecionados pelo Premio MAMbA/ Fundación Telefónica, 5ª Edición, 2006. "As novas tecnologias que o artista contemporâneo utiliza deverão ser nada mais que materiais, como foi em seu momento o uso da pintura à óleo, ou da escritura como linguagem visual." Margarita Paksa
12 de março às 19h no Espacio Fundación Telefónica (Arenales 1540)

Amanhã teremos Horacio Zabala (Buenos Aires, 1943) na galeria Wussmann. "Aqui misturo todas as técnicas e materiais, madeira, fios, chapas, vídeo, fotografia, textos, é um zig- zag. Por isso tem muitos circulos, não há princípio nem fim." Horacio Zabala Ensayos en zigzag 13 de março às 19h na Galería de Arte Wussmann (Venezuela 570)

E, por fim, na sexta-feira se inaugura a mostra de fotografias de Santiago Porter (Buenos Aires, 1971). "Santiago Porter camina por Buenos Aires y se resiste a confundirse con la mirada indiferente o desprevenida de los transeúntes. ¿Puede la fotografía arrancar determinados edificios que fueron emblemáticos de la amnesia cotidiana? ¿Puede la vista de un sitio inhabitado evocar la historia de un pueblo? ¿Puede una imagen fija contener la fatigosa duración de la historia? Las fotografías de Santiago Porter construyen ruinas. Ya no es la simple imagen de un edificio abandonado sino de restos que pueden ser interpretados, indicios que reclaman el ejercicio de la memoria." Valeria González
Fotografías recientes 14 de março às 19h na VVVgallery (Aguirre 1153 2º piso)

Nos vemos lá!

smart open art

2008-03-04T11:24:00.009-02:00

Com a iniciativa da artista plástica Paula Toto Blake, e o apoio da empresa smart chemicals srl, organizamos uma feira de arte emergente em San Isidro, Argentina, nesta última sexta-feira. Participei com obras com diferentes técnicas e de diferentes épocas, inclusive com gravuras e desenhos realizados na minha graduação. Foi uma excelente experiência poder rever obras antigas e junto às novas, percebendo todo o processo e como a produção foi se modificando até chegar nas obras mais recentes.

Além disso, senti que fora do circuito tradicional das galerias de arte os espectadores se sentem mais à vontade para perguntar sobre as obras e negociar os preços. Tudo muito informal e muito profissional ao mesmo tempo. Com certeza organizaremos mais desses eventos daqui pra frente.

Exponho aqui algumas imagens da feira:

amorapreta

2008-02-27T10:08:00.006-02:00

Dei uma rápida escapada pro lado da moda e produzi junto à designer argentina Varinia Telleria umas bolsas de lona com estampas criadas por nós. Eu trabalhei sobre papel algumas formas em tinta, escaneamos essas imagens e a Vari trabalhou em cima para finalizar o desenho de cada bolsa.

Onde comprar as bolsas:

Na Argentina:
-direto comigo, deixando uma mensagem no blog amorapreta

No Brasil:
-direto comigo, deixando uma mensagem no blog amorapreta
-no site oláterraqueos.com

Pronto, agora já voltei à Arte! E logo vocês poderão ver o vídeo da instalação El baile de las sillas (novembro de 2007, macro, Rosario) aqui no blog.

Um outro mundo dentro de uma gaveta

2008-02-21T12:19:00.000-02:00

Vocês já pararam para pensar nos zilhões de projetos artísticos que são rejeitados, não selecionados e esquecidos dentro de uma gaveta (metafórica ou não)?

Esses dias parei para pensar nisso. Todo artista busca prêmios, editais, concursos para apresentar seus grandes projetos. São sempre mega produções que exigem espaço e um orçamento alto, são sonhos que queremos realizar e que necessitamos de um apoio para que se concretizem. Mas nem 1% dessas fabulosas idéias ganham essa ajuda e acabam sendo esquecidas ou engavetadas.

E agora imagino como seria o mundo se os “outros” projetos tivessem ganhado esse espaço...Espero que esse mundo não fique só na imaginação. E é por isso que aconselho a todos que reavivem seus projetos, não esqueçam deles só porque não foram selecionados naquela oportunidade. As oportunidades surgem todo o tempo, assim como nossas idéias. A persistência é que faz a diferença. E é só tentando, sem desistir, que uma boa idéia terá a chance de cruzar com um olhar visionário e realizador. De resto é seguir com projetos independentes, talvez menores, mais enxutos, mas não menos importantes.

PROCURADO no Rio de Janeiro

2008-02-11T09:35:00.000-02:00

O livro Indução de Percepção Cotidiana de Mariane Rotter segue aparecendo nas melhores livrarias. No domingo dia 03 de fevereiro a ação sobre seu livro foi realizada na livraria Argumento, no bairro Leblon do Rio de Janeiro, em pleno carnaval carioca!

O Passeio dos Silos

2008-01-15T10:00:00.000-02:00

Intervenção realizada na esplanada em frente ao macro, 16 de novembro de 2007. A intervenção durou apenas aquela tarde de primavera.

PROCURADO Indutor de Percepção Cotidiana

2007-12-04T09:14:00.000-03:00

Aqueles que não estiverem em Buenos Aires e quiserem conhecer o livro, deverão entrar em contato com a artista Mariane Rotter.

Jorge Luis Borges no Céu, demais argentinos na Terra.

2007-11-30T17:56:00.000-03:00

Não li nenhuma obra completa desse senhor até hoje, só algumas frases soltas, algumas linhas reproduzidas nas paredes da livraria Ateneo. Talvez por isso eu não entenda o tamanho orgulho que os argentinos têm por ele. Gente de qualquer área o cita como referência, e utiliza seus contos como exemplos a serem seguidos.

Mas é claro que reparei mais ainda a sua presença nos milhares de exposições de arte que vejo pela cidade. Os artistas argentinos não cansam de usar seus textos como inspiração e, muitas vezes, como ilustração de suas próprias obras.

Não lembro de nenhum escritor brasileiro que tenha tanta influência sobre seus cidadãos quanto o Seu Jorge.

Definitivamente preciso ler alguma de suas obras, pra depois poder afirmar que essa gente tende ao fanatismo (lê-se maradonismo, peronismo, etc) com muita facilidade. Mas antes disso eu tenho que ler a obra completa do Seu Nelson, Nelson Rodrigues.

Muito pano pra pouca manga

2007-11-14T16:20:00.000-03:00

Há algumas semanas atrás me informaram – por meio do boca-a-boca – que um artista havia exposto um cachorro vivo atado com uma corda num canto de uma galeria e que no dia seguinte da inauguração tinha sido encontrado morto. Busquei pela Internet maiores informações e encontrei uma massa de blogs, revistas virtuais, etc, denunciando tal atrocidade. Li algumas declarações, mas também não cheguei a fazer uma pesquisa aprofundada, afinal, não pensava em escrever uma tese a respeito. E me solidarizei com outros artistas que tomaram a iniciativa de criar uma petição contra a participação do artista Guillermo Habacuc Vargas na Bienal Centro-americana de Honduras em 2008.

Eu não estava lá pra ver, mas o que li e vi pela Internet foi suficiente para querer informar o maior número de pessoas dos meus contatos pessoais sobre esta história e para que assinassem tal petição. Entre muitas respostas que recebi de amigos que se sensibilizaram verdadeiramente com tudo isto, recebo uma resposta absurda e mascarada (sem assinatura) de uma agência de design de Buenos Aires:

From: info@nutropicx.net
To: contato@lauracogo.com.br
Sent: Friday, October 26, 2007 2:25 PM
Subject: NO CENSORSHIPS IN ART

BRAVO Guillermo Habacuc Vargas!!!!

You people are so plenty of hipocresy, plenty of fear, plenty of intolerance. You play the game for conservatives minds and powers. What is important here is the ART question, the KUNST performance. Do you think people that art is for beautiful things? do you think that art is a place for SHOPPING CENTER AESThETHICS? do you think that a museum or art gallery should be like EPCOT CENTER, Universal Studios or something else_? You are really shocked in your love for animals (what is OK and its not the point) with this performance, but, how much time do you spend in thinking in human life and dead_? and the circumstances in wich many people in third world or first world even, die? do you think when you hugh your dog or favorite pet at the same moment one person or more (many many more) are dying for political reasons, for socials reasons, or whatever, do you really think about that? Cut the crap people, please…… is more important for you a dog dying that 9 million people killed in Africa in wars? is more important for you a dog dying that people who die every day in midwest conflict? is more important for you a dog dying that thousand of inmigrants dying or trying to survive for reach American Dream or European Dream?
And if after all still a dog dying is more important for you, what is the reason WHY_? is because the dog is in an art biennale, and art biennnale is not a place for DEATH?, Art through history and occidental world history is about only two things EROS and TANATOS, SEX and DEATH, so from thousands of years DEATH has been an important subjet in ART… But the reason people that you are so shocked is because you support this fucking world and its system, you support a world of social differences, you really support playing and smiling at your pet face a world plenty of injustice, you support ESAT againts WEST, you support THE POWER against people, if in your life you really care more about your PET over humanity suffering, it is not the dog who must die in an art gallery, all of you must die in a less artistic form!!!

ART IS A PLACE FOR QUESTIONS AND PROBLEMS, NOT A PLACE FOR ANSWERS AND EYECANDYS!!!

AND how the ARTIST SAID ABOUT HIS EXHIBITION
The importance to me is the hypocracy of the people where an animal is the focus of attention where people come to see art but not when it’s in the street starving to death.” CHANGE DOG FOR PEOPLE AND IS THE SAME

Yes, that is the same hipocracy of people who hugh his pet watching American Idol meanwhile injustice, murder, poor, dictatorships, wars, oppressing systems, WTO, and and BIG ETC are having an eternal PIC NIC over our lifes.

STOP CENSORSHIP IN ART STOP CENSORSHIP IN ART STOP CENSORSHIP IN ART STOP CENSORSHIP IN ART

Fiquei estupefata diante de tamanha ignorância! Pensei em responder com um extenso texto, mas, não querendo perder meu precioso tempo, respondi somente as seguintes palavras: “Nonsense arguments and a terrible english.”

Ontem, por um acaso, entrei no blog de um curador argentino que admiro muito: o Rafael Cippolini. E me deparei com um texto sobre essa mesma história. Ele e seu amigo Guillermo Piro (quem defendeu o artista Habacuc em uma nota do jornal portenho Perfil) pensam muito deferente da maioria, chegam a elogiar a estratégia do artista, como se isso fosse Arte. Questionam os meios pelos quais as pessoas se informaram e acreditaram na história como verídica. Contam que o cachorro não morreu, que não passou fome e que fugiu no dia seguinte a inauguração, palavras ditas pela dona da galeria.

E em quem acreditamos? Não importa. O que importa é que um artista tirou um vira-lata da rua para prendê-lo dentro de uma galeria e apresentá-lo como Arte. Sou contra usar qualquer ser vivo em obras de arte quando isso implica prejudicá-lo de alguma maneira. Se isso foi uma estratégia de marketing, o que tenho a dizer é que foi muito infeliz.

O que há de bom em ser lembrado como “o artista que expôs um cachorro preso numa galeria e que morreu no dia seguinte de fome”? E junto a essa lembrança ficam as imagens desse cachorro que já estava doente, muito magro e em péssimas condições de vida, que serviu de marketing para a ascensão de um artista plástico nada criativo.

Lamentável.

Ela me faz chorar

2007-11-05T17:31:00.000-03:00

A primeira vez que chorei num filme foi assistindo Dançando no Escuro do Lars Von Trier. E não foi por sua história triste e violenta, mas sim pela atuação da inigualável artista islandesa Björk. Chorei copiosamente e me apaixonei por ela.

Como conseqüência disso, meu primeiro disco foi o Selma Songs, e logo vieram Homogenic, Vespertine, Post, Debut, Medúlla e por último Volta.

Björk encanta, emociona. Com seus ruídos estranhos, batidas sonoras diversas, colagens, sobreposições e composições desconstruídas, é considerada por mim como a artista mais autêntica da atualidade, no ramo da música.

Pois ontem ela me fez chorar de novo, e dessa vez ao vivo. Assisti o show da turnê Volta no Teatro Gran Rex, em Buenos Aires. Pequenina e grandiosa, levantou milhares de pessoas das suas confortáveis cadeiras e transformou o teatro em uma grande e forte festa eletrônica.
Cantei gritando, eu queria que ela me ouvisse, eu queria que ela soubesse o quanto eu a admiro, eu queria que ela soubesse o quanto ela mudou minha percepção musical, o quanto meu ouvido é exigente agora e, principalmente, o quanto suas criações influenciam e sonorizam as minhas criações.

Ela tomou conta do palco com seu carisma, com sua voz suave e poderosa, se transformou numa gigantesca e estonteante criatura, contaminando e contagiando todos.

Inesquecível.

Longe da rede

2007-10-31T23:12:00.000-03:00

Tenho trabalhado muito para minha próxima mostra, que se inaugura dia 16 de novembro no macro em Rosario (Argentina).

Terminada a obra "El baile de las sillas", comecei a produzir hoje a intervenção "Espectros - Silos Davis". Mais uns dias de corta, costura, desentorta, solda e tudo estará devidamente empacotado rumo a Rosario.

Conto mais na volta!

1.0 - O Balanço

2007-10-08T18:36:00.000-03:00

Como sempre deixamos pra ver tudo no último dia. Mas é assim, tem tanta coisa pra fazer e ver em Buenos Aires que dá até preguiça de escolher e se organizar com antecedência!

Assistimos à conferência do estudio brasileiro de animação Lobo e visitamos as mostras do Centro Cultural Recoleta. Posso dizer que me diverti mais do que me surpreendi.

Sinto que essas mostras de arte e tecnologia viram um parque de diversões pro público. A maioria das obras apresentadas no onedotzero ofereciam alguma interação, o que era legal, mas o pessoal ficava todo empuleirado querendo "brincar" e mal dava pra ver como realmente funcionava a coisa. Talvez seja por isso que eu fiquei com a impressão de não ter visto nada de novo. Simplesmente por não ter tido a oportunidade de poder vivenciar o novo com o tempo-espaço necessário.

Complicado, mas o que há de se fazer? Não dá pra controlar tanto a euforia da gurizada!

onedotzero - 2ª edição em BsAs

2007-09-26T11:36:00.000-03:00

Pelo segundo ano consecutivo, chega em Buenos Aires o festival de artes visuais e música onedotzero. Começa nessa sexta-feira, 28 de setembro, no espaço Centro Cultural Recoleta.

É muita gente participando e há muito pra ver. Mas pra aqueles que não terão os 3 dias (28, 29, 30/09) livres pra ver tudo, eu recomendo algumas funções:

Cine
Björk Retrospectiva: mostra dos melhores videoclips da artista. Muitos foram dirigidos pelo grande Michel Gondry, outros por Lars Von Trier...e segue nesse nível a lista dos cabeções que ela escolhe para concretizar visualmente suas canções surrealistas. São imperdíveis!

28/09 às 11h35 na sala 2 villa villa e às 20h40 na sala 1 villa villa.

29/09 às 10h e às 15h na sala 1 villa villa.

30/09 às 11h35 na sala 2 villa villa e às 15h40 na sala 1 villa villa.

Salas no Centro Cultural Recoleta. Entrada gratuita.

Conferência

Lobo: estudio de design e animação brasileiro. Apresentação das suas últimas criações em animação gráfica para comerciais e videoclipes. Única participação brasileira no festival.

30/09 às 15h no auditório Buenos Aires (Av. Pueyrredón 2501). Entrada custa $10 pesos.

Show

Andy Fletcher: membro fundador da banda Depeche Mode, apresentará seu melhor repertório como DJ.

30/09 às 22h no espaço Terraza Levi's (CCRecoleta). Entrada custa $50 pesos.

Mostras de video-arte (talentos locais como Punga, Martin Bonadeo e outros) abertas ao público no Centro Cultural Recoleta (das 10h às 21h). Entrada gratuita.

Os ingessos pra cada função podem ser comprados no Hard Rock Café da Recoleta. Pelo ticketek só se pode comprar o pacote de $50 que dá direito a assitir uma seleção de conferências e sessões de cine por dia.

Tem que se ligar pra não perder a chance. No ano passado deixamos pra comprar os ingressos na última hora e só conseguimos assistir ao United Visual Artists.

Performance Ainda é Muito Pouco

2007-09-04T15:15:00.000-03:00

É uma ação artística que pouco se expõe e pouco se vê ao vivo (mais em formato de vídeo). E quando se vê, é pouco prestigiada, pouco compreensível e pouco satisfatória.

Eu mesma, que freqüento com certa assiduidade a exposições de qualquer tipo de arte, vejo e aprecio muito pouco.

Mas nos últimos dois meses, coincidentemente, pude assistir a três performances em Buenos Aires. Aqui um breve relato do que vi e do que achei de cada uma:

El cuerpo efímero: una muerte de lujo de Diana Raznovich

Entrei numa sala fechada, era como um corredor largo cheio de cadeiras posicionadas uma de costas para outra e distribuídas em pequenos grupos. Me pediram para sentar. Uma mulher bem gorda com um microfone tipo “Madonna” começou a caminhar entre as cadeiras e a narrar sua história de “gorda desesperada por emagrecer, que se submeteu a todos os tipos de cirurgia, mesmo as ilegais, para se enquadrar no modelo de beleza atual”. O texto era o mais manjado, batido possível. E enquanto ela gritava, suava e descrevia todas as situações que tinha passado, desde o momento de assinar os papéis de autorização das cirurgias de risco, até a humilhação de ter que se despir e ouvir dos médicos o que tinha de errado no seu corpo, ela pendurava nas paredes da sala quadros com caricaturas de mulheres e frases do tipo “As tetas me custaram 9000 dólares; levantar a bunda 6000 dólares e o esvaziamento de cérebro foi um presente da produção”. Foi uma perda de tempo ter assistido do início ao fim. Eu acreditei que algo de extraordinário poderia acontecer ou ser dito pela atriz (contratada pela artista) a qualquer momento. Igual quando insistimos em continuar assistindo a um filme ruim na esperança de um final salvador.

Tire-Empuje de Maria Paula Doberti e Virginia Corda

Uma sala grande e aberta, com muitos cartazes nas paredes explicando o conceito da obra e orientando o espectador com instruções de como participar da performance, assim como banners com imagens de prédios governamentais de Buenos Aires pendurados no teto formando um corredor no meio da sala. A obra consistia em usar as palavras “tire” (puxe) e “empuje” (empurre) com conotação política. Adesivos com essas duas palavras estavam à disposição do espectador para que este escolhesse a ação de sua preferência para logo colar numa ou mais imagens. Ao lado de cada banner tinha a história do prédio, o que ele representava na sociedade Argentina, dando informações necessárias para o espectador escolher o que fazer com cada imagem. Eu escolhi “empurrar” a Catedral. O prédio mais procurado, com mais adesivos colados, era a Casa Rosada. Quase não se enxergava mais a imagem. E no final dessa ação divertida, o espectador assistia ao final da performance realizada por um ator profissional que entrava na sala com uma maleta, a abria em frente a uma tela de projeção, tirava de dentro uns cones de trânsito posicionando eles como uma barreira para o espectador não se aproximar, vestia um macacão branco e, literalmente, entrava dentro da tela de projeção por uma fissura na vertical. Então, começava a projeção das imagens dos prédios escolhidos pra serem “puxados” ou “empurrados”, e o ator, atrás da tela, empurrava e puxava o pano em pontos estratégicos das imagens, Ex: “puxou” a entrada do Ministério da Economia da Argentina e “empurrou” a sacada da Casa Rosada. Esta performance, apesar de eu ter achado didática demais, tava muito bem pensada e bem apresentada.

Vestido de Luján Funes

Cheguei às 18h15 na Galeria El Borde e a porta estava fechada. Já tinha mais de 15 pessoas aguardando para entrar e ver a performance que estava marcada para as 18hs pontualmente, como salientou a artista no convite virtual. Esperamos mais uns 15 minutos e abriram a porta para que todos entrassem. Já lá dentro, era possível ver uma movimentação no mezanino da galeria, mulheres estavam sendo maquiadas, havia fotógrafos e câmeras por todos os lados com seus flashes e um violinista se preparando para começar a tocar. O público aguardou por mais uma meia hora, no mínimo, até começar a performance. O cenário era uma mesa de casamento, com um bolo de noiva bem merengado, taças de champanhe, muitos arranjos de flores e um espelho enorme pendurado numa das paredes. Assim que o violinista começou a tocar a marcha nupcial e as mulheres vestidas de noiva desceram, uma por uma, por uma escada. E enquanto desciam, eram bombardeadas por flashes, posavam para as fotos e seguiam até a mesa com o bolo. E assim foi até descer a última e 12ª noiva. Agrupadas, ficaram se olhando umas as outras, comparando seus vestidos e buquês, se elogiando e rindo. Abriram o champanhe, todas brindaram e, então, dançaram uma valsa entre elas. Foi uma verdadeira festa. E os noivos? Não estavam presentes. Aquele dia era só delas. Na visão da artista o dia do casamento é o dia da noiva e de mais ninguém. É quando ela se sente uma princesa, deve ser a moça mais linda da festa, o centro das atenções. O noivo é só um acessório, e a festa uma desculpa para ela estar ali, linda e maravilhosa! Mas um dado indispensável da obra não estava ao alcance do público: as doze mulheres nunca se casaram e não querem se casar. Ou seja, todo o ritual pelo qual elas passaram foi de uma emoção muito grande, um confronto com elas mesmas. Algumas choraram, contou a artista. Mas sem este dado, a performance não tem a mesma força, pois não passa de uma encenação de um casamento em que os noivos foram descartados.

Ficarei atenta a mais performances, me preparando para ser surpreendida.

Infinita coleção - visita virtual

2007-08-21T11:24:00.000-03:00

Última chamada!

2007-08-10T19:55:00.001-03:00

Em função do mau tempo

2007-08-08T15:31:00.000-03:00

Um instante

2007-07-31T20:18:00.000-03:00

O que fazem os espíritos durante o dia?

Outro instante

2007-07-31T20:16:00.001-03:00

O mundo precisa de mais cupidos.

04-08-2007 11:00

2007-07-31T20:15:00.001-03:00

Vai demorar pra chegar.

Infinita coleção

2007-07-31T20:04:00.000-03:00

O céu é um espaço para imaginar, um espaço para pensar, um espaço para respirar. Nos detemos observando as nuvens no céu inúmeras vezes. Inconscientemente, como uma necessidade. E nelas encontramos significados, coisas que não buscamos, mas que simplesmente encontramos. O real está no que acreditamos ver, nós construímos nossa realidade. Efêmera. Que se modifica constantemente, como as nuvens no céu.

Apresento um instante da minha realidade. Apenas um instante de uma infinita coleção.

Porto Alegre - 4 de agosto, 11h - Pátio de Arte Contemporânea da Koralle (José Bonifácio, 95)

O mínimo é o máximo

2007-07-17T10:57:00.000-03:00

Tenho que admitir que ultimamente tenho buscado fugir do caos, em todos os momentos. Procuro me deter naquilo que realmente me interessa, me instiga (o que é muito pouco comparado à infinitude do que é oferecido), sem querer absorver o máximo de informação possível (ou impossível). E quando meus olhos batem em algo que os fixa, procuro dar o tempo necessário, merecido, para que seja armazenado por completo.

Há poucos dias li no Canal Contemporâneo um texto do Agnaldo Farias sobre a obra do artista plástico João Modé. E só de ler sobre sua obra, me apaixonei. Agnaldo descreve e analisa a criação de Modé seduzindo o leitor. Perdi a noção do tempo, senti que estava completamente imersa naquele mundo criado pelo artista e apresentado pelo crítico. Percebi que há tempos um texto não me prendia assim, e que uma obra provocasse tanta curiosidade. Por esta razão, divido com vocês a minha satisfação...
João Modé

AGNALDO FARIAS

Há uma ordem quase imperceptível que rege coisas e acontecimentos díspares. Um enredo que se dá sob a forma de eventos discretos e interligados como o tilintar incessante das garrafas do caminhão de bebidas em sua rota noturna, lembra? A lista é infinita, a começar pela marcha imperturbável das formigas dentro de casa, a parede que se descasca revelando que por debaixo há ainda uma outra casca e mais outra e outra ainda, as nuvens de pó que vagam pelo chão dos ambientes, o cheiro dos jasmins do cabo, o nanquim dos cafezinhos tomados pela metade e que contrasta com a pele lisa e láctea das xicrinhas de porcelana... Fenômenos efêmeros, afeitos a invisibilidade. Serão, talvez, acontecimentos erráticos, mas se assim nos parece é porque também não nos damos conta da freqüência com que se dão. O mesmo acontece quando os designamos “misteriosos”, essa palavra genérica com a qual os enviamos para a sombra.

O problema é que sabemos pouco ou nada das coisas. Elas não nos contam seus segredos. O máximo a que se permitem, ou que logramos alcançar, é a emissão de vagos sussurros, balbucios indistintos dos quais, em nossa ânsia de apaziguamento, pensamos extrair algum sentido. O que mais há, aquilo que efetivamente conseguimos reter delas, são suas superfícies, o modo entre caótico e lacônico com que refletem ou sorvem a luz. Afora isso só nos resta quedar à tona das coisas observando-as atentamente. É esse o procedimento de João Modé, o que sua obra tem a nos ensinar. O mundo fecha-se em sua preguiça; como já disse um escritor português a propósito de livros: o mundo é uma máquina que só se põe em movimento pelo leitor/observador. Um observador ativo, já se vê, que movimenta a máquina ao passo em que se movimenta pelos trilhos da linguagem. Modé é um observador que produz obras produtoras de novos observadores. Nestes tem pos em que a sensibilidade anda ofuscada, Modé propõe o exercício de uma nova sensibilidade, situada no umbral do invisível, que acontece a partir de pequenos acontecimentos, pela celebração de encontros inesperados; situações que ele propicia, fabrica ou simplesmente apresenta à nossa atenção.

Como esses cães que o artista registrou através da janela do carro em que viajava com seu amigo, Helmut Batista, pelas estradas sinuosas e desabitadas que cortam as montanhas e atmosfera rarefeita do Peru. Transpostas e editadas num filme em preto e branco de curta duração, as imagens, feitas com o carro em movimento, acompanham o movimento de cachorros solitários, vagando às margens das estradas.

Peregrinos sem rumo aparente, dado que em nenhum dos casos havia algo junto a eles, ou nas imediações, pessoa, casa ou vilarejo, outros animais, um rebanho qualquer que justificasse suas presenças, que lhes servissem de amparo. No entanto eles seguiam só, Solos, palmilhando pelas bordas da faixa escura de asfalto, ou próxima a ela, uma forma de evitar o fluxo fluvial e espaçado dos carros, invisíveis a maior parte do tempo. Os cães variavam entre a faixa e o solo pedregoso, tornado ainda mais inóspito pela extensão , pelo modo como se esparrama em planuras de horizontes longínquos, e mais ainda quando, abruptamente, empina-se em escarpas íngremes cujos cumes rilham os céus. A câmera foi colhendo os cães sem que soubesse de onde vieram e para onde iam, efeito ampliado pela alternância calculada entre o fade-in e fade-out, um modo que o artista encontrou de retirá-los da escuridão para onde os devolvia em seguida. (...) Continuação do texto aqui.

Intervenção "Falso Apoio"

2007-07-04T14:16:00.000-03:00

Esta figueira é uma árvore centenária, plantada pelos Irmãos Recoletos no Cemitério Recoleta em 1826, e transplantada em 1834 nesta praça em frente ao cemitério.

Com raízes aéreas que ao encontrar o solo se transformam em troncos auxiliares, ajudando a suportar seus pesados galhos e contribuindo para o alargamento de sua copa, esta figueira, de estrutura firme, enorme e imponente, igualmente necessita muletas para apoiar seus cansados braços.

Todos necessitamos apoio. Mas nem sempre os apoios nos sustentam. Assim como nem sempre os apoios são reais, verdadeiros. Os falsos apoios estão por toda parte, como armadilhas no nosso caminho. O visual e o virtual nos enganam.

Falso Apoyo

Este gomero es un árbol centenario, plantado por los Hermanos Recoletos en el Cementerio Recoleta en 1826 y trasplantado en 1834 en esta plaza, frente a él.

Con raíces aéreas que al encontrar el suelo se transforman en troncos auxiliares, ayudando a soportar sus pesadas ramas y contribuyendo así a la expansión de su copa, este fuerte gomero, de estructura firme, enorme e imponente, igualmente necesita muletas para apoyar sus cansados brazos.

Todos necesitamos apoyo. Pero no siempre los apoyos nos sustentan. Así como no siempre los apoyos son reales, verdaderos. Los falsos apoyos están por todas partes, como trampas en nuestro camino. Lo visual y lo virtual nos engañan.

False Support

This rubber fig is a centennial tree, planted by the Hermanos Recoletos in the Recoleta Cemetery in 1826 and transplanted in 1834 to the square in front of the cemetery.

The tree has aerial roots that when finding the ground become auxiliary trunks, helping to support its heavy branches and contributing to the widening of its crown. Although this strong rubber fig has a firm, enormous and imponent structure, it still needs crutches to support its tired arms.

We all need support. But the foundations we suppose are there to give us support are not always real, not always true. False grounds are everywhere, like traps in our way. The visual and the virtual ones often deceive us.

Falso Apoio

2007-06-28T14:20:00.000-03:00

Vou realizar uma intervenção urbana na Plaza del Pilar, praça em frente ao Cemitério da Recoleta, neste sábado (30 de junho).

Todos que estiverem em Buenos Aires estão convidados a visitar o espaço.

E aqueles que não estarão na cidade nesse final-de-semana, não se preocupem, pois vou registrar em vídeo e fotos desde a montagem da intervenção até a reação das pessoas que passarão por ali, publicando o material já na primeira segunda-feira de julho.

Me aguardem!

Amor&Arte

2007-06-20T19:43:00.000-03:00

É muito difícil evitar que duas cabeças criadoras, que vivem debaixo do mesmo teto, que dividem mais que uma casa, se fundam. São muitos os casais de artistas que acabaram trabalhando e criando juntos. John e Yoko, Christo e Jeanne-Claude, Marina Abramovic e Ulay são alguns exemplos.

Fabiano e eu trabalhamos juntos há quase 3 anos. Começamos com pequenas coisas, revisando os textos um do outro, compartindo idéias inéditas e complexas, um completando o que faltava para terminar o trabalho do outro.

Crescemos como uma equipe (artistas, criadores, produtores, diretores, escritores e investidores) e passamos a botar a mão na massa juntos. Agora o toque final é dado pelos dois, mutuamente. Há vezes em que nem lembramos de quem partiu a idéia inicial.

Produzimos os vídeos Arte Ganha Vida e Mosquito.

E a última criação do casal foi registrada do início ao fim nesse vídeo-documento:

Amor e Arte nunca se separam!

Appetite pelo trash

2007-06-05T13:41:00.000-03:00

"O apetite é o desejo de comer alimento, fome sentida. O apetite existe em todas as formas de vida, e serve para regular a entrada adequada de energia necessária para manter o metabolismo. É regulado por uma interação próxima entre o aparelho digestivo, tecido adiposo e o cérebro. A diminuição do desejo de comida é denominada anorexia, enquanto polifagia é o aumento da vontade de comer. A desregulação do apetite contribui para a anorexia nervosa, bulimia nervosa, cachexia, comer demais, e comer até fartar-se (por desordem psicológica)." (Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre)

Se a intenção de nomear uma galeria de arte de “Appetite” foi a de provocar a “fome” pela arte, a vontade de “devorar” arte, “consumir” arte, eu escolho ser anoréxica.

Appetite, galeria comandada pela artista Daniela Luna, traduz com louvor o estilo trash que vem sendo adotado pelos jovens artistas na Argentina. Considerando que a utilização de materiais não convencionais na arte começou lá na arte povera (ou arte pobre) com a intenção de estreitar o espaço entre arte e vida (e muito mais que esta simples definição), isso há 40 anos atrás. Os artistas daqui têm produzido muitas obras com materiais recicláveis, da natureza (inclusive animais de verdade – vivos ou empalhados), comida, materiais mais econômicos (baratos, de má qualidade) e apresentado como lixo. Pelo menos é essa a impressão que dá.

E quem tem vontade de consumir essa arte?

Abusam do nome de grandes artistas como Tom Friedman (mencionado no post anterior), o utilizando como referência, como alguém a seguir. Mas a única conexão entre sua obra e as obras que tenho visto por aqui é a adoção destes materiais ordinários, utilizados por eles (artistas argentinos), inconscientemente ou não, com o sentido pejorativo da palavra.

Tom Friedman usa com maestria materiais como chiclete mascado, pêlos, sabonete, palito de dente, compondo objetos de arte sem aparência trash, ele os trabalha e os apresenta como obra de arte e não como lixo, se o espectador não lê a legenda não é possível saber de que material a obra é feita, e mesmo assim sua expressão está explícita. Lixo estes materiais já são por si só, e o que, então, estes artistas agregam a eles? Nada.

A galeria Appetite adota o trash como conceito para inovar e libertar a arte. Não há uma preocupação por parte da galerista, nem dos artistas de apresentar as obras* num espaço em que cada uma possa ter sua autonomia, possa ser vista como única, separada desse contexto catastrófico, criado por elas mesmas. A intervenção é forçada e imposta. E isso é possível perceber desde os espaços virtuais da galeria, passando pelos stands do arteBA, pelas salas do Estudio Abierto, até seu espaço oficial.

O sucesso está naquele que alcança criar com qualquer material e expor em qualquer espaço sem se anular. Evitando causar uma tremenda dor de barriga naqueles que estão dispostos a digerir sua arte.

*Gostaria de esclarecer que nem todas as obras destes artistas se inserem na definição de arte trash, é possível encontrar trabalhos pertinentes e consideráveis, o problema está na instabilidade que os derruba.

Arte para respirar ou para sufocar?

2007-05-30T17:45:00.000-03:00

Depois de visitar a feira arteBA, em especial os trabalhos selecionados pelo Prêmio Petrobrás, me senti literalmente sufocada. E essa sensação atingiu os que me acompanhavam também. Acredito que essa não tenha sido a intenção dos artistas que produziram tais obras. Acredito que a ansiedade em querer transmitir tudo que se pensa, provocada por essa avalanche de informações que recebemos todos os dias através de e-mails encaminhados, spams, mensagens nos celulares, televisores dentro das estações do metrô, etc., é o que os fez apresentar um amontoado de obras.

Um exemplo é a obra “Pedazos de la persona que amamos”, do artista rosarino Adrián Villar Rojas (um dos 8 artistas selecionados pelo Premio Petrobrás), que apresentou uma enorme mesa de madeira com milhares de “mundinhos” sobre ela e abaixo dela. A impressão que tive foi que Adrián aproveitou a oportunidade e o espaço da feira pra expor todos os projetos de obras que desenvolveu na sua curta e muito recente trajetória como artista. Observei a obra três vezes, cada uma em um dia diferente, e mesmo assim saí com a impressão de não ter visto nada. Senti a necessidade de separar cada instante da obra, pois ela como um todo não satisfazia, não era completa, era somente uma enorme mesa atolada de coisas sem sentido. Um desperdício apresentá-la assim.

Outro exemplo é a obra “Wikipedia – Catálogo de Recursos”, do artista portenho Diego Bianchi (ganhador do segundo Prêmio Petrobrás). Uma espécie de mercadinho com prateleiras, stands, expositores, materiais recicláveis, comidas e muitos badulaques (materiais da arte contemporânea, materiais ordinários - referência à obra de Tom Friedman). Tudo muito apertadinho, mal dava pra caminhar, interagir ou contemplar. E o pior era a sujeira e o cheiro da comida que repugnavam o ambiente. Cansei!

Havia outras instalações com a mesma forma de apresentação trash (estilo que está sendo adotado por muitos artistas e galerias da Argentina - pauta para o próximo post), muita informação e pouco resultado estético, formal, e mesmo conceitual.

E é o contrário disso tudo que tento alcançar com a minha obra. Penso que o que falta e que a arte pode nos oferecer é um espaço para desacelerar, pensar, contemplar e respirar.

Prévia do arteBA

2007-05-16T23:15:00.000-03:00

Subi aqui algumas fotos da feira antes de sua inauguração.

arteBA'07

Proyecto Nodos stand BJ 14
18 a 22 de maio / 13 a 22 hs
La Rural - Buenos Aires - Argentina

Dentro do arteBA

2007-05-16T22:35:00.000-03:00

Há um ano atrás visitei a feira do arteBA em Buenos Aires. Me deslumbrei com o evento, o lugar e as obras lá expostas. E pensei o quanto eu teria que batalhar para um dia estar lá também. Resultou que todo o esforço e trabalho do ano passado valeram a pena.

Este ano estou expondo minhas obras em um dos stands do Barrio Joven (espaço destinado a jovens galeristas e grupos de jovens artistas) do arteBA: o Proyecto Nodos. Este grupo foi formado por artistas e galeristas de Rosário, com o interesse de apresentar obras de diversos países da América Latina, ou seja, voltei a ser artista brasileira!

A feira é uma enorme vitrine do que está sendo produzido em arte pelo mundo. Há galerias da França, Espanha, Estados Unidos, Brasil, etc. E o que eu já consegui ver só visitando o espaço ainda em montagem me pareceu realmente muito bom. Fiquei feliz e orgulhosa de estar dentro do arteBA!

O que estou expondo é uma série de penteadeiras miniaturas de tule e arame, e cada umas delas tem seu nome:

"Belleza Atrapada - Florencia", 2007, tule e arame, 40 x 8 x 40 cm.

"Belleza Atrapada - Cecilia", 2007, tule e arame, 26 x 8 x 33 cm.

"Belleza Atrapada - Elvira", 2007, tule e arame, 30 x 8 x 30 cm.

"Belleza Atrapada - Virginia", 2007, tule e arame, 20 x 8 x 30 cm.

Pintura

2007-04-03T15:53:00.000-03:00

Vou contar um segredo pra vocês: pinto há muito mais tempo do que crio as obras de tule. Aliás, na minha primeira mostra individual (Espaço Cultural da PUCRS, 2001) apresentei só pinturas. É um trabalho sério, paralelo que levo no mesmo ritmo que os demais. E mesmo assim, até hoje não tinha mostrado minhas pinturas aqui. Mas muitos já conhecessem e inclusive são proprietários de algumas das minhas criações.

São diferentes técnicas que utilizo, mas sempre com tinta acrílica e com a tela esticada no chão, possibilitando um deslocamento de 360° entorno da pintura. Quando pinto não escolho a posição da tela, pinto de todos os lados e em todas as direções. Muita tinta, aguada e nenhum pincel.

As três últimas criações são essas:

Sem título, 2007, acrílico s/ tela, 80 x 45 cm. R$300

Sem título, 2007, acrílico s/ tela, 80 x 40 cm. R$ 300

Sem título, 2007, acrílico s/ tela, 80 x 45 cm. VENDIDA!

Alfredo Prior

2007-03-27T19:13:00.000-03:00

Incrível como tem coisas preciosas e valiosas que não saem de casa. Digo isso porque conheci a obra do argentino Alfredo Prior somente pelo fato de ter sido aluna de espanhol da esposa dele, Amalia Sato.

Antes de descobrir esse contato, nunca tinha ouvido falar dele ou de sua obra. Ok, tenho consciência de que é impossível saber tudo e conhecer tudo nesse mundo, mas depois que me interei sobre este artista, percebi que ele foi e ainda é uma grande referência para todos artistas argentinos. O que o torna uma pessoa um tanto quanto visada e falada, mas não é exatamente isso o que acontece aqui.

Desde que cheguei (há mais de 1 ano) não vi nenhuma obra dele exposta na cidade. E também não tinha lido nada a respeito em revistas e jornais locais. Talvez porque ele seja uma pessoa reservada, nada extravagante no seu comportamento e aparência (como a Marta Minujin, artista não mais importante que ele) e não muito fã de aparições públicas. O que provoca um desaparecimento momentâneo de sua figura na vida cultural de Buenos Aires.

Se ele não faz muita questão de aparecer, eu dou um jeito de fazer a obra dele ser conhecida pelos brasileiros e leitores da língua portuguesa!

Alfredo Prior cria e expõe desde os anos 70. Seu meio sempre foi a pintura e nela trabalha de maneira intensa. Sua pintura leva o espectador a um mundo ambíguo, onde o sonho e o pesadelo se encontram, assim como o real e o imaginário. Suas referências estão nas fábulas, nas histórias infantis, nos contos e mitos da literatura universal. Trabalha com o abstrato e o figurativo sem separá-los, nem distingüí-los, apresentando um cenário ingênuo e perverso. O resto depende dos olhos de cada um.

En cada sueño habita una peña, 1985

Orfeo en los infiernos, 1991

Tal es mi horizonte

El perro de Sabato, 1995

Personajes, serie de La Batalla de Alighiari

Dánae, 2004

Recentemente, foi lançado seu catálogo com textos do crítico Rafael Cippolini. Folhei e fucei todo ele, mas não comprei, ainda ($180 pesos).

lauracogo + DECO

2007-03-12T16:11:00.000-03:00

Um segundo olhar me disse: "Objetos de arte iluminados talvez seja a melhor forma de chamá-los. Luminárias são funcionais demais." E eu tive que concordar.

torradeira, tule e arame, 0,21 x 0,15 x 0,10 m

relógio de parede, tule e arame, 0,24 x 0,24 x 0,08 m

Então, que sejam iluminados!

Arte Ganha Vida - extended version

2007-03-09T00:39:00.000-03:00

Vale a pena ver novamente a primeira parte para conferir como termina essa saga!

Arte ganha vida

2007-02-08T10:09:00.000-03:00

Novidade no vídeo: luminária relógio de parede. Divirtam-se!

Criação, direção e edição: Fabiano Goldoni

Produção: Fabiano Goldoni e Laura Cogo

Caixa de som também ilumina

2007-01-18T11:20:00.000-03:00

Uma ramificação dos Espectros deu origem a essas luminárias.

A intenção é jogar com a função original dos objetos utilitários, invertendo-a. Afinal, nenhum deles ilumina, mesmo aqueles que são eletrônicos.

O familiar e estranho subsiste.

caixa de som, tule e arame, 0,30 x 0,19 x 0,12 m.

lauracogo deco New!

2007-01-15T16:39:00.000-03:00

Mais uma pra coleção.

Enquanto não tenho uma loja virtual, estou tratando com os interessados por e-mail.

lixeira, 2006, tule e arame, 0,26 x 0,12 x 0,12 m.

lauracogo deco

2007-01-10T10:23:00.000-03:00

A primeira, um início, uma experiência. Você gostaria de ter uma na sua casa?

rádio antigo, tule e arame, 0,16 x 0,21 x 0,12 m.

Grupo de Arte Callejero Periferia

2006-12-28T17:43:00.000-03:00

As artistas argentinas Virginia Corda, Maria Paula Doberti e Laura Kuperman integram este grupo que realiza intervenções artísticas pelas ruas de Buenos Aires. O grupo se formou em 2002, e, desde então, apresenta ao público portenho uma nova percepção sobre sua capital, trabalhando com a História da Argentina, suas lutas, suas falhas, sua memória.

Acompanhei duas ações do grupo este ano, e na última participei como apoio e registrei com fotos para apresentar o trabalho aqui. A intervenção foi realizada com cartazes e stencil desde a esquina das ruas Tucumán e Libertad (onde está o monumento do Juan Lavalle, coronel que mandou matar o governador de Buenos Aires Manuel Dorrego) até a esquina das ruas Viamonte e Suipacha (monumento do Manuel Dorrego), percorrendo e marcando as quatro quadras que separam os dois monumentos.

Abaixo transcrevo o texto distribuído em formato de folheto no dia da ação:

“Dorrego vs Lavalle”

A História Argentina parece ciclicamente girar sobre lutas, traições e mortes. Os fuzilamentos se repetem em diversos momentos e por causas distintas. Como se justifica uma execução? Por que convivemos com os disparos impunes? A geografia paradoxal da cidade de Buenos Aires fez com que os monumentos do Manuel Dorrego e do Juan Lavalle se encontrem a escassas quatro quadras de distância. Ali, no meio de uma urbe convulsionada e fervente de imediatez, Manuel e Juan parecem manter uma subterrânea e eterna rixa. Estão tão perto que, metaforicamente, quase parecem sentir a pólvora que matou ambos. A discussão histórica se sustenta interminável.

O grupo de arte urbana Periferia propõe revisar as tensões de seu enfrentamento, para tentar compreender disputas conservadas que ainda hoje discutimos. Convidamos a deambular entre todos esta corda simbólica, que tenciona a história e mantém instável a problemática de nossa memória.

a participação é a ferramenta de ação da Memória que preserva a Identidade
Corda – Doberti – Kuperman

*Tradução livre de Laura Cogo

Tirando o chapéu

2006-12-26T17:35:00.000-03:00

UVA (United Visual Artists) é um grupo londrino formado por oito sensacionais especialistas em animação e engenharia eletrônica que cria intervenções lumínicas, muitas vezes baseadas na improvisação. Eles começaram trabalhando pra indústria da música, criando efeitos visuais digitais projetados em shows de bandas como U2, Pet Shop Boys e Massive Attack. E agora eles entraram pro mundo da arte, ganhando espaço em grandes museus com um trabalho interativo e impecável.

Conheci eles este ano no festival onedotzero_buenos Aires, mas o momento em que tirei o chapéu foi quando entrei no site do grupo e assisti a instalação que eles fizeram no Victoria & Albert Museum, em Londres.

Patrocinados pela Playstation, eles criaram “Volume”, uma instalação de colunas eletrônicas em que o público interagia com seu próprio movimento - caminhando entre e tocando nelas era possível alterar a luz e o som da instalação.

É só clicar aqui pra se deleitar assistindo o registro desse espetacular trabalho do UVA (paciência na hora de baixar o vídeo, pode demorar, mas vale muito a pena ver!)

Recomendo também fuçar bastante no site do grupo.

Intervenção lumínica na Ponte do La Boca

2006-12-18T22:00:00.000-03:00

Durante as noites de sexta-feira e sábado se iluminou a ponte do La Boca,a Puente Transbordador Nicolás Avellaneda, com projeto de Gonzalo Córdova e colaboração de Horácio Pigozzi.

Os artistas projetaram esta instalação para apresentar um “espectacular juego de luces, utilizando el color y el movimiento”. Segundo eles, a iluminação da ponte teve como objetivo assinalar o monumento e destacar sua importância histórica e representativa dentro do porto - a ponte se encontra hoje em desuso – e também em função da comemoração dos 10 anos da Fundación Proa.

Mas, sinceramente, eu esperava mais. Com inúmeros tubos de luz fluorescente, os artistas redesenharam a forma da ponte e programaram para que acendessem e apagassem de maneira aleatória, e numa velocidade muito lenta. Ficou monótono, previsível (na forma e material) e pouco criativo. Eu esperava que fossem luzes projetadas na ponte, que modificassem o design dela, apresentando uma nova perspectiva, revitalizando esse considerado monumento histórico.

Não conheço outros trabalhos desses dois iluminadores, mas sei que já realizaram outros projetos em espaços públicos de Buenos Aires. Devem agradar a torcida local!

Vejam registro da intervenção* e opinem.

*O vídeo está com o dobro da velocidade real para não cansar!

Mobiliário de Museu – MASC, Florianópolis

2006-11-27T20:12:00.000-03:00

Na mesma semana que fui para o Rio conhecer o Paço Imperial, fui para Florianópolis conhecer o MASC, lugar onde sediaria a mostra Ausências, itinerância de parte das obras da mostra Paradoxos Brasil, com curadoria de Marisa Mokarzel.

Lá cheguei, numa cidade onde tudo é praia, só se pensa em praia. E arte? Fica no CIC (Centro Integrado de Cultura de Florianópolis), espaço onde está o MASC (Museu de Arte de Santa Catarina), as salas do Cineclube Nossa Senhora do Desterro (cinema cult), o Teatro Ademir Rosa e muitas oficinas de criação.

O espaço do MASC é imenso e muito bom, mas levaram muito a sério as características de uma galeria modernista, ou seja, o "cubo branco" definido por Brian O'Doherty (no seu livro “No Interior do Cubo Branco: a ideologia do espaço da arte”). Não há nada mais além das paredes brancas. Não há sequer um extintor de incêndio a vista. E o que reproduzir, então? Conversei com toda a equipe do museu, os enchi de perguntas, até que uma senhora me contou: “Pois é, nós queremos muito que comprem uns bancos para as pessoas sentarem. Muitas senhoras de idade não agüentam visitar toda a mostra, porque não tem onde descansar. Mas o diretor não quer ‘poluir’ o espaço, então fica esse vazio que você vê.”

Depois de ouvir as lamúrias, não restaram mais dúvidas com relação a o que apresentar na mostra “Ausências”. Produzi seis bancos de museu, utilizando a cor branca (claro, não quis me indispor com o diretor do museu poluindo ainda mais o espaço expositivo), e dei o título “Mobiliário de Museu – Para contemplar”.

"Mobiliário de Museu - Para contemplar", interagindo com as pinturas da artista carioca Lucia Laguna.

"Mobiliário de Museu - Para Contemplar", interagindo com as pinturas do artista paraense Gabriel.

"Mobiliário de Museu - Para Contemplar", interagindo com o vídeo do artista cearense Ticiano Monteiro.

Mobiliário de Museu - Paço Imperial, Rio de Janeiro

2006-11-27T18:48:00.000-03:00

Em dezembro de 2005 fui para o Rio de Janeiro para conhecer o espaço do Paço Imperial, lugar onde sediaria a mostra itinerante Paradoxos Brasil em junho.

Entrei no Paço observando tudo por onde passava, a bancada de entrada, as obras no pátio externo, o café, a escada...me deparei com um vigilante. Parei para pedir informação, queria saber onde estava a coordenadora do espaço expositivo para quem eu deveria me apresentar. Ele me respondeu muito gentilmente, com um sorriso cativante.

Segui meu caminho, cadeiras, lixeiras, portas...entrei numa exposição. Outro vigilante estava na entrada, me orientou como eu deveria interagir com as obras da artista Márcia X. Visitei toda a mostra e entrei em outra. Uma sala cheia de fitas largas de plástico que cortavam em diagonais todo o espaço. Me perdi caminhando entre as fitas, até que outro vigilante me viu e me avisou que deveria sair pela porta da direita.

E foi assim que decidi homenagear os vigilantes do Paço Imperial, pessoas de extrema educação, muito bem orientadas e de fácil comunicação. Então, produzi nove cadeiras (número de vigilantes presentes no espaço expositivo) iguais as dos vigilantes, utilizando quatro cores vibrantes. E para diferenciá-las, para personalizá-las, intitulei cada uma com o nome de cada vigilante.

O triste foi não ter tido a oportunidade de conversar com eles depois de montada a mostra, pois o Paço estava fechado durante o fim-de-semana para terminarmos a montagem, e os vigilantes foram dispensados do seu serviço. Gostaria de ter explicado pessoalmente a homenagem a eles, mas fiquei sabendo por terceiros (Elvira Vigna e Thiago Torres) que eles se divertiram muito, principalmente o vigilante Paulo Lindo, quem ficou com uma cadeira cor de rosa choque!

"Mobiliário de Museu - Jorge", 2006, tule e arame, Paço Imperial, Rio de janeiro.

"Mobiliário de Museu - Paulo Lindo", 2006, tule e arame, Paço Imperial, Rio de Janeiro.

"Mobiliário de Museu - Sérgio", 2006, tule e arame, Paço Imperial, Rio de Janeiro.

"Mobiliário de Museu - Paulo Roberto", 2006, tule e arame, Paço Imperial, Rio de Janeiro.

Mobiliário de Museu

2006-11-27T18:20:00.000-03:00

Todo mundo vai ao museu para olhar obras de arte. Óbvio. Enquanto o trabalho dos artistas tem toda a atenção das pessoas, outros objetos presentes nos museus parecem invisíveis para os visitantes.

Normalmente, o público que visita um museu não se detém a olhar outra coisa que não sejam as obras de arte. E por este motivo, propus para o programa Rumos Artes Visuais 2005/2006 a série “Mobiliário de Museu”, em que fui selecionada para participar de três mostras coletivas ao longo deste ano:

Paradoxos Brasil, curadoria geral de Aracy Amaral, no espaço Itaú Cultural, em março;

Itinerância da mostra Paradoxos Brasil para o Paço Imperial, Rio de Janeiro, em junho;

Ausências, curadoria de Marisa Mokarzel, no MASC, Florianópolis, em novembro.

“Mobiliário de Museu” é uma série de intervenções com reproduções de objetos encontrados em cada espaço expositivo. Por isso, para cada mostra foram produzidos trabalhos diferentes. Os objetos de tule foram colocados em lugares estratégicos, onde os objetos reais estariam normalmente no museu, dialogando com as obras dos outros artistas, provocando uma reflexão sobre a estética dos objetos do cotidiano.

"Mobiliário de Museu - Banco das Rosas", 2006, tule, Casa das Rosas, São Paulo.

"Mobiliário de Museu - Banco Maurício Azeredo", 2006, tule e arame, Itaú Cultural, São Paulo.

"Mobiliário de Museu - Lixeira", 2006, tule e arame, Itaú Cultural, São Paulo.

"Mobiliário de Museu - Pufe 1/3", 2006, tule e arame, Itaú Cultural, São Paulo.

Espectros – Reescrevendo o Passado

2006-11-20T01:02:00.000-03:00

Em 2004 recebi o convite da Fundação Cultural de Criciúma para realizar uma exposição em 2005. Com tempo para pesquisar e estudar o espaço expositivo, desenvolvi o projeto “Espectros – Reescrevendo o Passado”, uma intervenção site specific em que utilizei como referência a história do prédio, onde atualmente se encontra a FCC.

Este prédio foi construído inicialmente para abrigar o Departamento Nacional de Produção Mineral (DNPM), em 1945. No prédio do DNPM foi construído um laboratório para análise do carvão e galpões para o seu acondicionamento. Foi instalado também o primeiro aparelho de Raios-X de Santa Catarina, para tirar radiografias dos mineiros. Em 1962, o setor de Criciúma do DNPM foi desativado, assumindo a Comissão Executiva do Plano do Carvão Nacional – CEPCAN. Com a eclosão do golpe militar em 1964, o prédio funcionou, durante alguns meses, como cárcere a indivíduos acusados de comunismo na cidade. Em 1971, foi desativado o setor do CEPCAN em Criciúma, sendo transferido para a cidade o Conselho Nacional do Petróleo (CNP). Em 1993, a Fundação Cultural de Criciúma (FCC) se apropriou da ala direita do prédio, criando o Centro Cultural Jorge Zanatta. E em 1996, todo o prédio passou a ser administrado pela FCC.

Para realizar esta exposição reproduzi alguns dos principais acontecimentos deste prédio, utilizando o tule para a produção dos objetos, somente nas cores preta e branca para remeter ao passado.

Com os objetos de tule foram reproduzidas: uma sala de escritório, contendo arquivos, mesas e cadeiras; duas salas se transformaram em prisões, com barras e camas de tule preto; outra sala apresentou uma reprodução de um aparelho de Raios-x e uma maca; e na última - local original do laboratório de análise do carvão - três grandes manchas que existem no chão, onde se encontravam balcões, avançaram no espaço tridimensional, preservando suas formas.

Está sendo realizada uma pesquisa sobre o prédio e suas atividades realizadas desde sua construção, por estudantes universitários, com o interesse de tombá-lo. O prédio ainda não foi tombado por pertencer ao poder público federal, não encontrando um responsável para responder pelo patrimônio. E, infelizmente, no decorrer dos anos, a discussão sobre sua importância histórica e necessidade de tombamento foi perdendo força. Os pesquisadores perceberam isto nas entrevistas feitas com algumas pessoas no centro da cidade, concluindo que a maioria dos habitantes reconhece a importância do prédio, mas ignora sua história e ligação com as atividades carboníferas.

A proposta desta exposição foi reacender na comunidade o interesse pelo prédio como bem cultural.

Acredito que foi a partir desta experiência que surgiu o interesse em trabalhar com os vestígios de um espaço carregado de história, com as marcas nas paredes e chão, resultado visto na mostra "Marcas que cuentan".

Fabiano Goldoni sobre Laura Cogo - Marcas que Cuentan

2006-11-09T22:56:00.000-03:00

Marcas que cuentan

2006-10-30T16:38:00.000-03:00

Marcas com pó foram feitas no piso com a intenção de insinuar os lugares onde se encontravam móveis de um acolhedor ambiente familiar. As formas no piso ficaram como ficam quando deslocamos os móveis da nossa casa e percebemos a sujeira depositada embaixo. A sujeira, o pó, preserva a forma exata do móvel que se encontrava ali.

Para o piso e as paredes foi utilizado o pó de cimento. As marcas foram feitas de acordo com móveis de dimensões comuns, como estante para livros, caixas de som, sofá, poltronas, etc.

As paredes foram manchadas com essa cor acinzentada, ressaltando as formas de supostos quadros e fotos que se encontravam pendurados nelas. Diferentes formas, tamanhos e intensidade das manchas destacam as marcadas paredes que ainda carregam sua história, marcadas pelo tempo, de momentos vividos.

Um espaço recém esvaziado, onde ainda se sente a presença humana.

Marcas con polvo fueron hechas en el piso con la intención de sugerir los lugares donde se encontraban muebles de un acogedor living familiar. Las formas en el piso se quedaron como se quedan cuando desplazamos los muebles en nuestra casa y percibimos la suciedad depositada abajo. La suciedad preserva la forma exacta del mueble que se encontraba allí.

Para el piso y las paredes fue utilizado el polvo de cemento. Marcas fueron hechas de acuerdo con muebles de dimensiones comunes, como estante para libros, altoparlantes, sillón, poltronas, etc.

Las paredes fueron manchadas con este color gris, resaltando las formas de supuestos cuadros y fotos que se encontraban colgados en ellas. Distintas formas, tamaños e intensidad de las manchas destacan las marcadas paredes que todavía cargan su historia, marcadas por el tiempo, de momentos vividos.

Un espacio recién vaciado, donde todavía se siente la presencia humana.

A exposição Marcas que cuentan está no espaço Baltar Contemporáneo até dia 3 de novembro (Puerto Gallego, Centro Comercial del Puerto, local 18), em Mar del Plata, Argentina.

Making of

2006-10-24T10:50:00.000-03:00

Imagens da montagem da exposição Marcas que cuentan, realizada na última semana no espaço Baltar Contemporáneo, em Mar del Plata, Argentina.

Demarcação com fita adesiva de papel.

Material: cimento, só cimento. A poeira perfeita.

Toque final com a flanela. Tempo total de montagem: 13 horas.

Em breve imagens oficiais da instalação e um relato da experiência.

* É muito importante usar touca, óculos e máscara dupla de proteção quando se trabalha com cimento. Quem avisa amigo é!

Espectros em Rosario

2006-10-18T00:07:00.000-03:00

Fui selecionada para participar da 2ª Semana da Arte de Rosário em setembro deste ano. Primeira exposição na Argentina, primeira vez em que não represento meu país. Foi um choque. Acho que ainda não tinha caído a ficha de que eu estava residindo e trabalhando fora do Brasil e que representaria a cidade onde vivo atualmente.

No fim-de-semana anterior à inauguração do evento eu estava em Rosario para realizar a montagem de duas intervenções urbanas, duas reproduções dos balanços encontrados nas praças da cidade (que curiosamente são todos iguais). Um foi instalado na Plaza Guernica e o outro na Plaza San Martin. No domingo comprei o principal jornal da cidade, o La Capital, porque tinha um suplemento especial sobre a 2SAR06, e lá estava uma foto de uma intervenção urbana que fiz em Porto Alegre, em 2003, e a descrição dos trabalhos apresentados em Rosario com meu nome e entre parênteses “Buenos Aires”. Como assim, Buenos Aires? E em lentos milésimos de segundo, caiu a ficha.

Foi uma excelente primeira experiência.

* Esta semana eu vou para Mar del Plata, rumo à minha segunda exposição na Argentina e primeira individual: “Marcas que cuentan”. Na volta contarei tudo!

Casa Foa

2006-10-10T21:16:00.000-03:00

Casa Foa é um evento que acontece todos os anos em Buenos Aires, em que a Foa arrecada fundos para sua instituição convidando designers, arquitetos, decoradores e paisagistas para trabalhar nos ambientes de um prédio - geralmente monumentos históricos - com suas criações.

Este ano a Casa Foa ocupou a antiga fábrica de biscoitos Canale, que se chama Palácio Lezama. E o que vi lá foi uma grande exposição de design* de vanguarda com objetos decorativos, móveis e coisas muito loucas, eu diria que quase impossíveis de ter na sua própria casa.

Depois de alguns dias digerindo o que tinha visto lá, me dei conta que meus olhos já estão educados para ver arte contemporânea, mas não estão preparados para uma exposição de design de vanguarda.

Eu já estava acostumada com as exposições de arquitetura e design da Casa Cor e Casa & Cia de Porto Alegre, que são mais habituais aos olhos. Os ambientes são capazes de dar idéias bacanas para adaptar e aplicar na nossa casa, nada muito fora do usual, do comum, do esperado. Tendo sempre em mente o conceito de design: concepção, elaboração e definição de algo voltado a uma determinada função, eu disse função. Mas muito do que tinha lá não era nada fácil ou cômodo de usar.

Confesso que saí da Casa Foa um pouco indignada, pensando na impossibilidade de imaginar aquelas coisas enormes e diferentes na minha casa, só se eu morasse num palácio ou num loft gigantesco tudo aquilo caberia dentro, e ainda ia precisar de uma ajudinha extra para trocar uma lâmpada ou pegar uma roupa da última prateleira de um armário com mais de 3 metros de altura. Mas o design mostrado lá é de vanguarda, experimental.

Será que eu deveria voltar lá depois de me dar conta disso tudo? Vamos ver, eu ainda tenho uns 40 dias pra visitar a mostra. Se conseguir ir, volto aqui com novas impressões.

*Quando digo design me refiro ao design de produto.

Rosa Chancho

2006-10-03T21:20:00.000-03:00

Em abril deste ano fui selecionada para participar de um programa da Fundación Telefónica chamado Intercampos, para freqüentar um atelier teórico-prático de análise e desenvolvimento de projetos. Eram 24 vagas, éramos 31 artistas – sendo que havia 2 duplas + grupo de 6 integrantes, o Rosa Chancho. Grupo esse formado por uma gurizada, artistas muito novos e em fase de amadurecimento, como artistas e como grupo também.

E quando começaram as apresentações, pude perceber o nível de seriedade dos artistas argentinos. Politicamente engajados, com projetos mais dentro do campo social do que do visual, com uma vontade muito forte de provocar mudanças no sistema das artes. E o grupo Rosa Chancho demonstrou estar tão mais envolvido quanto os artistas mais experientes (ou mais velhos).

Seu projeto: criar uma galeria que comece da janela de uma fachada e termine na rua em frente – podendo desdobrar-se pelos arredores. A galeria foi inaugurada assim, com sua fachada, a janela-vitrine, a calçada da frente e parte da rua pintadas de branco. Intenção: expulsar o cubo branco do espaço interno da galeria.

Desde então, artistas vêm intervindo neste espaço de várias formas. E a proposta é que cada artista novo que chega deve trabalhar em cima da obra anterior, sem retirar nada. Portanto, a obra do primeiro artista está presente na do segundo e a do primeiro e do segundo na do terceiro, e assim vai. Obras em transformação contínua.

Orilo Blandini (Argentina) – Segunda intervenção na galeria Rosa Chancho. O sangue do boneco se estendia pelo espaço da galeria na calçada e percorria um caminho de 100 metros no qual o espectador devia guiar-se até completar a obra. No final do caminho, o espectador se deparava com um outdoor sobre um edifício da Av. Córdoba, em Buenos Aires. E lá estava escrito: SOLO le temo a la MUERTE.

A Arte encontra seu lugar - parte 2

2006-10-02T10:36:00.000-03:00

Mais imagens das intervenções realizadas no campus universitário da UNESC, em 2004.

“A Arte encontra seu lugar – Banco”, 2004, tule, 0,90 x 1,80 x 0,60m. UNESC, Criciúma, Brasil.

“A Arte encontra seu lugar – Luminária”, 2004, tule e arame, 0,50 x 2,10 x 0,50m. UNESC, Criciúma, Brasil.

A Arte encontra seu lugar

2006-09-27T14:23:00.000-03:00

Em 2004 fui convidada pelo curso de Arquitetura e Urbanismo da UNESC (Universidade do Extremo Sul Catarinense) para realizar intervenções artísticas no espaço externo do campus universitário.

Uma experiência específica

As pessoas se contentam com a praticidade das coisas do dia-a-dia. O olhar crítico sobre a cidade desapareceu, principalmente, dentro da principal área responsável: a arquitetura.

Cheguei a esta conclusão após realizar uma palestra para o curso de Arquitetura e Urbanismo da UNESC, em Criciúma. Apresentei meu trabalho para alunos e professores, questionando profissionais e futuros profissionais da área sobre as questões trabalhadas por minha produção artística, pelos temas que ela aborda e propondo questões quanto a sua relevância para promover uma discussão neste momento. As respostas foram muito claras. Os arquitetos declararam que o que houve com a estética das cidades foi uma conseqüência da atitude acomodada dos governos, que passaram a aprovar somente projetos que não demandam muitos recursos e tempo de execução. O investimento está na praticidade das construções e em seu poder de permanência, durabilidade e estabilidade, e o cuidado com a estética, com a co-relação entre as construções arquitetônicas, foi totalmente esquecido e mesmo descartado.

Resultado disso são essas paisagens cinzentas, pesadas, maciças de blocos sufocantes.

E após o debate, provocado pela experiência visual de Espectros, constatou-se que o que poderia vir a ser feito seria trabalhar os projetos arquitetônicos como construções site specific, passando a adotar o conceito e tudo que ele exige, empregando todas as suas características nas construções.

Esperar pra ver? Não devemos esperar por ninguém.

“A Arte encontra seu lugar – Lixo seco / Lixo orgânico”, 2004, tule e arame, 0,54 x 1,50 x 0,54m. UNESC, Criciúma, Brasil.

“A Arte encontra seu lugar – Cascão”, 2004, tule e arame, 1,40 x 1,70 x 2,60m. UNESC, Criciúma, Brasil.

Espectros

2006-09-22T21:05:00.000-03:00

“Trabalhar para a rua significa questionar mais de cem anos de produção artística dirigida ao museu. Para o artista, significa também descer de seu pedestal, ousar o risco e aceitar a humildade.” (Daniel BUREN, 2001)

Espectros são intervenções urbanas em espaços não autorizados – às vezes autorizados. Espaços públicos, vividos e conquistados. São ações de guerrilha cultural contra a apatia e passividade da cidade, das pessoas e de seu comportamento social nesses espaços. Tratam de ser o mais impactantes e intensas, ao mesmo tempo em que efêmeras. Trabalham com o espaço autônomo temporal. Mantêm sua presença por pouco tempo, para não provocar a cegueira e conseqüente desaparição.

Em busca do genius loci, o espírito do lugar. Trabalhando em um determinado espaço e com esse espaço é possível resgatar seu caráter, sentindo sua essência logo que observado. O que está presente no lugar é o que faz existir este lugar. Trato de reproduzir ressaltando o que parece estar ocluso, para lembrar o esquecido. E assim encontrar o equilíbrio existencial.

É competência do homem fazer o lugar situar-se na história, sua história. E sigo acreditando nisso para que o trabalho suceda. Espectros são propostas que prevêem a ação do observador, investindo em elementos e significados para o espectador casual, não predisposto a olhar, causando surpresa, um olhar sem ver, um confronto com o olhar comum. Sendo o espectro dos objetos uma ameaça à estabilidade do espaço em questão.

Espectros se inserta no contexto das práticas artísticas contemporâneas que trabalham com mudanças, alterações e substituições, instaurando um lugar limite entre o objeto real e o objeto imaginário, a arte e a não arte, a superfície e a profundidade.

A rua é de todos. A arte é feita para todos.

“Espectros – Por favor, não sente.”, 2003, tule, 0,91 x 1,80 x 0,60 m. UFRGS, Porto Alegre, Brasil.

“Espectros – Tonéis”, 2003, tule e arame, 0,58 x 0,85 x 0,58 m. UFRGS, Porto Alegre, Brasil.

“Espectros – Isto não é uma lixeira.”, 2003, tule e arame, 1,68 x 1,05 x 0,55 m. UFRGS, Porto Alegre, Brasil.

“Espectros – Luminária”, 2003, tule e arame, 0,40 x 2,73 x 0,40 m. UFRGS, Porto Alegre, Brasil.

“Espectros – Entulho”, 2003, tule e arame, 0,95 x 1,55 x 1,25 m. UFRGS, Porto Alegre, Brasil.